Rausch in Vollendung

Thielemann dirigiert "Die Frau ohne Schatten" an der Semperoper

In den unergründlichen Tiefen der Musikwelt, wo Fragen nach Sein und Bedeutung wie ferne Sterne flackern, existiert eine Schöpfung, ein Werk, das weniger eine Antwort bietet als vielmehr die Fragen selbst in ein neues Licht rückt. Hier, in diesem Zwischenreich des Denkens und Fühlens, entfaltet sich ein Narrativ, das nicht in Worten gefasst, sondern in Tönen und Klangfarben skizziert wird. Es ist ein narrativer Nebel, in dem die Themen der Identität, der Transformation und der unermesslichen Kraft der Liebe, jene grundlegenden Säulen des menschlichen Daseins, wie verschleierte Gestalten durch die Nebelschwaden schreiten, stets präsent und doch ungreifbar.

Diese Kreation, ein Labyrinth aus musikalischen Linien und harmonischen Texturen, bildet ein Universum für sich, in dem die üblichen Koordinaten von Zeit und Raum ihre Bedeutung verlieren. Innerhalb dieses Raumes werden die Zuhörer zu Reisenden, die nicht nach einem bestimmten Ziel suchen, sondern vielmehr die Erfahrung der Reise selbst als Weg zur Erkenntnis begreifen. Es ist eine Expedition in die Seele, in welcher die Grenzen zwischen dem Selbst und dem Anderen, zwischen Realität und Vision, in einer Sinfonie aus Licht und Schatten verschwimmen.

In dieser klanglichen Dimension, wo die Suche nach Vollkommenheit und die Konfrontation mit den eigenen Schatten die zentralen Pfade des Labyrinths bilden, wird die Musik zu einem Spiegel, in dem sich die unendliche Komplexität der menschlichen Natur widerspiegelt. Dieses Werk ist eine Einladung, sich in den Wellen des Unbekannten treiben zu lassen, bereit, von den Strömungen der Melodie an unbekannte Ufer getragen zu werden, und vielleicht, in einem Moment seltener Klarheit, einen Blick auf das eigene Ich zu erhaschen, das in den Tiefen verborgen liegt.

Diese Odyssee am 30. April 2024 durch Klang und Emotion, die sich in der Semperoper Dresden unter der Leitung von Christian Thielemann entfaltete, ist kein geringeres Werk als Richard Strauss' "Die Frau ohne Schatten". Doch in den bisherigen Worten wurde das Werk selbst wie ein weit entfernter Traum behandelt, dessen Konturen erst allmählich in das Bewusstsein der Zuhörer treten. "Die Frau ohne Schatten", ein Meisterwerk, das an der Schwelle zwischen der sichtbaren Welt und jener, die jenseits unserer direkten Wahrnehmung liegt, steht, verwebt die tiefsten menschlichen Sehnsüchte und Ängste mit einer Musik, die ebenso reichhaltig wie rätselhaft ist.

In seiner Essenz erkundet das Werk die Themen der Fruchtbarkeit, der menschlichen Beziehungen und der Selbstopferung. Es erzählt die Geschichte zweier Paare aus unterschiedlichen Welten – der eines Kaiserpaares, sowie der eines Färbers und seiner Frau –, die durch übernatürliche und tief menschliche Kräfte miteinander verbunden sind. Die Frau ohne Schatten selbst, ein Symbol für die Unfähigkeit, Schatten zu werfen und somit Kinder zu gebären, wird zum Dreh- und Angelpunkt einer tiefgründigen Auseinandersetzung mit Identität, Verlust und der Möglichkeit der Erlösung durch Liebe.

Strauss' Musik, die das Werk durchzieht, ist von einer außerordentlichen Dichte und Vielschichtigkeit, die die Zuhörer auf eine Reise durch eine Welt voller Symbolik und tiefgreifender emotionaler Resonanzen mitnimmt. Jede Note, jeder Akkord scheint dabei mehrere Bedeutungsebenen zu tragen, die sowohl die inneren Kämpfe der Charaktere als auch die universellen Fragen der menschlichen Existenz widerspiegeln.

Unter Thielemanns Führung wurde diese musikalische und dramatische Landschaft in Dresden mit einer Präzision und Tiefe erkundet, die mich tief in ihren Bann zog. Die Aufführung am 30. April 2024 war nicht nur eine Darbietung eines Opernwerks; es war ein tiefes Eintauchen in die komplexe Welt der menschlichen Seele, in der sich die Grenzen zwischen Ich und Welt, zwischen Realität und Illusion aufzulösen schienen.

In diesem Sinne wurde die Oper nicht nur als musikalisches Werk präsentiert, sondern als etwas lebendiges, in dem die tiefsten Fragen unseres Seins in der Sprache der Musik gestellt und – wenn vielleicht auch nicht beantwortet, so doch umspielt – wurden.

Akt 1

In der Inszenierung von David Bösch, die sich speziell im ersten Akt von "Die Frau ohne Schatten" entfaltet, begegnete mir ein visuelles Meisterwerk, das durch die harmonische Verschmelzung von Bühnenbild, Personenführung und Lichtgestaltung bestach. Das Bühnenbild von Patrick Bannwart bot eine eindrucksvolle Kulisse, die den Rahmen für die Geschichte schuf und dabei eine beeindruckende Balance zwischen Realität und Phantasie hielt. Die Banalität des Alltäglichen, repräsentiert durch sorgfältig ausgearbeitete Details und Alltagsszenen, bildete einen scharfen Kontrast zu den märchenhaften und übernatürlichen Elementen des Werks, wodurch die Dualität der Erzählung hervorgehoben wurde.

Besonders auffällig war die Verwendung von Projektionen, die sich nahtlos in das Bühnenbild integrierten und dieses erweiterten, ohne jemals zu überfordern oder vom Wesentlichen abzulenken. Diese Projektionen bereicherten die Szenerie, indem sie zusätzliche Ebenen der Bedeutung und emotionale Tiefe hinzufügten, was den ersten Akt in ein visuelles Spektakel verwandelte, das die Grenzen zwischen Bühnenkunst und filmischer Erzählung verwischte.

Die Regie und Personenführung im ersten Akt zeichneten sich durch eine beeindruckende Präzision und Sensibilität aus. Die Gesten der Charaktere, in ihrer Einfachheit bestechend, vermittelten tiefe emotionale Resonanzen und spiegelten die Komplexität menschlicher Beziehungen wider, ohne sich in Überflüssigkeit zu verlieren. Diese subtilen, aber aussagekräftigen Handlungen trugen dazu bei, die Charaktere als lebendige, atmende Wesen zu präsentieren, deren innerste Regungen und Konflikte sichtbar wurden.

Die Lichtregie von Fabio Antoci ergänzte diese visuelle Erzählung auf eine Weise, die ich nur als einfach aber kraftvoll beschreiben kann. Durch den gezielten Einsatz von Licht und Schatten entstand eine Atmosphäre, die sowohl intim als auch episch wirkte, und die die dramatische Spannung des ersten Akts wirkungsvoll unterstrich. Das Licht spielte eine zentrale Rolle in der Gestaltung der Stimmung und half dabei, die Szenen in eine Art filmisches Märchen zu verwandeln, das mich tief berührte.

Die musikalische Leistung im ersten Akt erreichte eine emotionale Intensität, die selten erlebt wird. Unter der Führung von Christian Thielemann der Staatskapelle, deren musikalische Brillanz den gesamten Akt durchzog, entstand eine Atmosphäre, die Gänsehaut und Tränen hervorrief. Die Tiefe und die Feinheiten der Partitur wurden mit einer solchen Präzision und Sensibilität interpretiert, dass jede Nuance der Musik spürbar wurde.

Camilla Nylund in der Rolle der Kaiserin hinterließ einen tiefen Eindruck mit ihrer stimmlichen Darbietung, die in ihrer Klarheit und Sanftheit an Seide erinnerte, ähnlich der visuellen Gestaltung der Bühne zu Beginn. Ihre Stimme besaß Qualitäten, die an einen Koloratursopran grenzten, und dennoch gelang es ihr, im Laufe des Aktes eine zunehmende dramatische Intensität zu entfalten. Diese Fähigkeit, sowohl feine als auch kraftvolle Töne zu meistern, machte ihre Darbietung zu einem zentralen emotionalen Ankerpunkt des Aktes.

Miina-Liisa Värelä als Baraks Frau (die Färberin) und Oleksandr Pushniak in der Rolle des Barak lieferten ebenfalls beeindruckende stimmliche Leistungen. Ihre Stimmen trugen eine emotionale Tiefe und Stärke in sich, die mich tief berührte. Insbesondere die Art und Weise, wie sie ihre Rollen interpretierten und ihre Stimmen führten, offenbarte eine emotionale Authentizität und Komplexität, die ihre Charaktere lebendig machte und dem ersten Akt eine außergewöhnliche Intensität verlieh.

Evelyn Herlitzius in der Rolle der Amme bot eine Darbietung, die trotz einer gewissen Dunkelheit im Timbre und dem Verlust an Glanz, durch ihr Spiel und ihre Stimmführung bestach. Ihre Erfahrung und ihr Können ermöglichten es ihr, eine Weltklasse-Leistung zu erbringen, die den Charakter der Amme mit einer beeindruckenden Tiefe und Komplexität ausstattete.

Eric Cutler, der den Kaiser verkörperte, konnte im ersten Akt nicht überzeugen. Obwohl seine stimme sehr schön war, schien es, als würde er nicht vollständig mit dem Orchester harmonieren. Diese Diskrepanz führte dazu, dass seine Darbietung etwas isoliert wirkte, was im Kontrast zu der sonst so engen musikalischen Verflechtung der Staatskapelle und der übrigen Solisten stand. Was nützt eine gute Stimmführung, wenn man die falsche Richtung einschlägt? Seine stimmliche Präsenz und Kraft waren unbestreitbar, und dennoch schien es, als würde seine Interpretation des Kaisers eine gewisse musikalische Synchronizität mit dem Rest missen.

Akt 2

Der zweite Akt von entfaltete sich zu einer extrem eindringlichen Fortsetzung der Geschichte, deren musikalische und dramatische Tiefe herausragend war. Ein besonderes Merkmal dieses Aktes war das Cello-Solo von Sebastian Fritsch im Orchesterzwischenspiel, ein Moment von seltener Schönheit und musikalischer Intuition. Fritschs Performance, die zunächst mit kraftvoller Präsenz begann, verwandelte sich bald in eine kammermusikalische Feinheit, die sich nahtlos in das gesamte musikalische Geschehen einfügte. Diese Passagen, geprägt von einer zarten Intimität, schienen die Grenzen zwischen Orchester und Zuhörer aufzulösen, indem sie eine direkte emotionale Verbindung schufen.

Eric Cutler fand zu Beginn seiner Schlüsselarie, trotz anfänglicher Unsicherheiten, schließlich zu einer beeindruckenden stimmlichen und emotionalen Tiefe. Die dramatische Wendung in seiner Performance, gekoppelt mit dem visuellen Spektakel eines majestätischen weißen Falken, der mit leuchtenden Augen herabschwebte, verlieh der Szene eine magische Qualität. Die solistischen Einsätze aus dem Orchester während dieser Arie, perfekt abgestimmt mit dem visuellen Drama, verstärkten die emotionale Wirkung dieses Moments, der in seiner Gänze eine perfekte Symbiose aus musikalischer Exzellenz und theatralischer Magie darstellte.

Die Inszenierung im zweiten Akt, geführt von einer Hand, die sowohl Wahnsinn als auch subtilen Witz zu balancieren versteht, entfaltete eine grandiose Ästhetik. Insbesondere die Szenen mit der Kaiserin, gespielt von Camilla Nylund, zeugten von einer tiefen emotionalen Schichtung. Nylunds Fähigkeit, die Verzweiflung ihrer Figur mit einer Stimme zu vermitteln, die an sich von einer schwebenden Schönheit ist, verlieh der Produktion eine zusätzliche Dimension der Empathie und des Verstehens.

Das Finale des Aktes, ein Thriller sowohl in optischer als auch in musikalischer Hinsicht, bildete einen Höhepunkt der Aufführung. Die kraftvollen Darstellungen der Färberin und Baraks, die emotionale Intensität ihrer Konflikte und Wünsche, wurden durch die Orchesterleistung zu einem fulminanten Epos gesteigert. Thielemanns Fähigkeit, aus dem Orchester eine Palette von Emotionen zu entlocken, die von zartesten Pianissimi bis zu ergreifenden Ausbrüchen reichte, war beispiellos. Die Musik, die sich aus dem Graben erhob, wirkte als eigenständiger Charakter innerhalb der Erzählung, der die Handlung auf der Bühne aktiv formte und vorantrieb.

Akt 3

Der dritte Akt bot eine eindrucksvolle Fortführung und gleichzeitig den Abschluss der Oper, der besonders durch die Leichtigkeit und Virtuosität der Holzbläser, zu Beginn, im Orchester herausstach. Diese feinen und präzisen Klänge bildeten das musikalische Gegenstück zu den tiefen emotionalen Strömungen der Geschichte und unterstrichen die meisterhafte musikalische Führung, die die gesamte Aufführung prägte.

In diesem Akt erreichte die Darbietung der Kaiserin, gespielt von Camilla Nylund, einen Höhepunkt. Ihre Fähigkeit, von Koloraturen bis hin zu dramatischen Ausdrucksformen die gesamte Bandbreite ihrer stimmlichen Fähigkeiten zu beherrschen, war beeindruckend. Sie vermittelte jede Nuance ihrer Rolle mit einer Intensität und Präzision, die mich tief berührte. Ähnlich erging es mit Miina-Liisa Värelä, deren Performance eine hochemotionale Tiefe erreichte. Ihr stimmlicher Ausdruck und ihre emotionale Reichweite steigerten sich kontinuierlich und sorgten für einen packenden dramatischen Bogen bis zum Schluss des Aktes.

Oleksandr Pushniak blieb bis zum Ende standhaft, sowohl emotional als auch in der Schönheit seiner Stimme. Seine Darbietung war ein weiterer Beweis für die außergewöhnlichen stimmlichen Leistungen dieser Produktion. Evelyn Herlitzius als Amme ging vollständig in ihrer Rolle auf und verlieh ihr eine beeindruckende Tiefe und Komplexität, die ihre Figur bis zum Schluss faszinierend und vielschichtig hielt.

Eric Cutler, konnte mich leider in diesem letzten Akt nicht überzeugen. Ähnlich wie die Inszenierung selbst, die eine überraschende Wendung nahm und an märchenhaftem Glanz verlor, fand auch Cutlers Darbietung nicht die erhoffte Resonanz. Diese Änderung in der Inszenierungsrichtung brachte eine gewisse Enttäuschung mit sich, da der vorherige Zauber und die Intensität der Geschichte an Strahlkraft einbüßten.

Trotz dieser Herausforderungen im narrativen und inszenatorischen Bereich blieb die Musik der unangefochtene Sieger des Abends. Die musikalische Brillanz und die emotionalen Ausbrüche, die das Orchester unter der Leitung von Christian Thielemann bot, sorgten für ein überwältigendes Klangerlebnis, das die komplexen Schichten der menschlichen Emotion und des Dramas meisterhaft zum Ausdruck brachte. Auch wenn das Bühnengeschehen kein traditionelles Happy End bot, so triumphierte doch die Liebe im Herzen der Musik. Diese Erkenntnis, dass trotz aller dramatischen Verwicklungen und unerwarteten Wendungen die Liebe in der Musik ihren Sieg feierte, hinterließ einen tiefen und nachhaltigen Eindruck.

Epilog

Das musikalische Finale bildet einen eindrucksvollen Höhepunkt, der in den letzten 15 Minuten des Werks eine außergewöhnliche Intensität erreicht. Unter der akribischen Führung von Thielemann entfaltet das Orchester eine klangliche Opulenz, die den gesamten Saal in eine Aura unbeschreiblicher musikalischer Schönheit hüllt. Die orchestralen Texturen, reich und vielschichtig, erreichen eine symbiotische Harmonie, in der sich die individuellen Linien der Instrumentengruppen zu einem Gesamtgefüge verweben, das in seiner Komplexität und emotionalen Tiefe beeindruckt.

In diesen letzten Minuten erlebt man eine Apotheose der orchestralen Kunstfertigkeit, die sich in einer Fülle von musikalischen Farben und dynamischen Nuancen manifestiert. Die Holzbläser, mit ihrer zuvor etablierten Leichtigkeit, bieten nun flirrende Läufe, die mit perlender Klarheit durch das dichtere Gewebe der Streicher und Bläser schneiden. Die Streicher wiederum entfalten eine lyrische Dichte, welche die emotionale Landschaft des Finales tiefgründig ausmalen.

Die Blechbläser, in ihrer majestätischen Präsenz, setzen kraftvolle Akzente und schaffen Momente von erhabener Wucht, die jedoch nie die fein ausgearbeitete Balance des orchestralen Klangbildes stören. In diesem Finale findet auch die Motivik des Werks ihren kathartischen Höhepunkt. Leitmotivische Verarbeitungen, die durch das gesamte Stück hinweg kunstvoll eingeflochten wurden, kulminieren in einer meisterhaften Synthese, die Strauss’ Fähigkeit zur thematischen Verdichtung und emotionalen Steigerung unter Beweis stellt. Thielemanns Interpretation lässt diese Motive in einer Weise aufleuchten, die sowohl die narrative als auch die symbolische Dimension des Werks vollends zur Entfaltung bringt.

Die harmonische Sprache des Finales, komplex und doch zugänglich, führt die Zuhörer durch ein Spektrum von Emotionen, das von tiefster Ehrfurcht bis zu einer fast transzendenten Hoffnung reicht. Die Modulationen, kühn und doch organisch, spiegeln die dramatische Reise der Charaktere und die letztendliche Auflösung ihrer Konflikte wider.

Es ist die Kunst der orchestralen Steigerung, die das unvergesslich macht. Die Crescendi, sorgfältig aufgebaut und mit akribischer Präzision entfaltet, erreichen einen emotionalen und klanglichen Siedepunkt, der das Publikum in einen Zustand tiefster musikalischer Hingabe versetzt. In diesen letzten 15 Minuten des Werks zeigt sich die ganze Meisterschaft Richard Strauss’, der es vermag, die unendliche Vielfalt menschlicher Emotionen in eine musikalische Form zu gießen, die ebenso komplex wie ergreifend ist.

Im abschließenden Glanz des musikalischen Finales haben sich Camilla Nylund, Miina-Liisa Värelä, und Christian Thielemann, ein musikalisches Denkmal gesetzt, das die Zeit überdauern wird, denn zum Glück wurde für den MDR mitgeschnitten, das in seiner Brillanz und emotionalen Tiefe nachhallt. Nylund und Värelä, jede in ihrer Rolle mit einer meisterhaften Darbietung, die von beeindruckender stimmlicher Bandbreite und tiefgreifender emotionaler Ausdruckskraft geprägt war, haben den komplexen Charakteren Leben eingehaucht und sie in einem musikalischen Licht erstrahlen lassen, das sowohl die Zerbrechlichkeit als auch die ungeheure Stärke ihrer Figuren offenbarte.

Christian Thielemann, als Führende Kraft hinter dieser Produktion, hat durch seine visionäre Interpretation und präzise Führung des Orchesters den musikalischen Kosmos von Strauss' Werk mit einer Klarheit und Intensität zum Ausdruck gebracht, die einem den Atem raubte. Seine Fähigkeit, die subtilsten Nuancen der Partitur hervorzuheben und in ein kohärentes Ganzes zu integrieren, hat nicht nur die solistischen Leistungen unterstützt und hervorgehoben, sondern auch dem Orchester erlaubt, als gleichberechtigter Partner in diesem dramatischen Dialog zu fungieren.

Das Zusammenspiel zwischen diesen herausragenden musikalischen Persönlichkeiten und dem Orchester hat ein Gesamtwerk geschaffen, das in seiner musikalischen und emotionalen Reichweite überwältigt. Die Kaiserin und die Färberin, jede auf ihre Weise ein Sinnbild für die transformative Kraft der Liebe und des Selbstopfers, haben zusammen mit Thielemanns musikalischer Leitung ein Erlebnis geschaffen, das die Essenz von Strauss' Oper in einem Musikalischen Rausch in Vollendung auf unvergleichliche Weise einfängt.